28. Junio 2010 por admin.

Se cumplen cincuenta años de este clásico memorable: “Matar a un ruiseñor” interpretado por Gregory Peck sensacional en su papel como el abogado Atticus, que intenta defender a un hombre de color en plena depresión sureña.

Siempre intento ver la película una vez al año porque aprendo mucho de lo que veo en la cinta. La obra es de la escritora Harper Lee, que desapareció a pesar de haber vendido 30 millones de libros, lo que no había conseguido ningún escritor de su época; además de ser de lectura obligatoria en todos los institutos de América. Ganó el premio Pulitzer en el año 1961, pero ella se encerró y no concedió ninguna entrevista.

El director Robert Mulligan se hizo con los derechos para adaptarla al cine, antes de que se le concediera el Pulitzer, por lo que le salió rentable y llamó a Gregory Peck para que interpretara el papel del abogado Atticus.

Una curiosidad: la escritora estaba encantada con la película, a pesar de que los escritores casi nunca han estado de acuerdo en sus adaptaciones y entabló una gran amistad con Peck, el cual, cuando ganó la estatuilla como Mejor Actor, se quitó su reloj que había pertenecido a su padre y se lo regaló a la escritora. Todo un detalle por parte del actor.

La película se puede diferenciar en tres partes distintas:

La primera cuenta las travesuras de los niños, Scout y Jem, los hijos de Atticus, viudo y con la responsabilidad de darles la educación necesaria para sus hijos. Ésta es la parte más divertida, aunque también importante porque la acción gira ante los ojos de los chicos que tendrán una relevancia en el desenlace.

La segunda parte es la del juicio, con todo el pueblo en contra del hombre de color que lo creen culpable. Es la parte más delicada y con más tensión.

Y la última es la más enternecedora y brillante de la película.

El juicio es una tensión continua. Atticus defendiendo al inocente, el Fiscal dando por hecho la culpabilidad, los asistentes (los blancos abajo y los negros arriba en clara alusión al racismo reinante de la época), y en todo este lío, el abogado que es acosado por los habitantes del pueblo que no comprenden cómo puede defender un blanco la culpabilidad del negro. Algo inadmisible, por lo que sufre la violencia en su propia familia.

Pero Atticus nos demuestra que hablando, dialogando con los vecinos y sus hijos, puede ser un ejemplo de honestidad, bondad y podemos conseguir mucho más que la acción irascible, de todo un pueblo que busca a un culpable.

 La banda sonora corrió a cargo de Elmer Bernstein, compositor también de películas como: “Los siete magníficos” o “La edad de la inocencia”, lo que consiguió que nos metiera mucho mejor en el melodrama.

La clave del éxito puede radicar en que está contada a través de los ojos de la hija del abogado, lo que nos demuestra la inocencia con que va observando todo el juicio en contra de una persona que no es culpable. También, que el país estaba cambiando con los derechos civiles y las injusticias con los negros estaban llegando a su fin . Todo esto hizo que la novela enseñara los errores que estaban cometiendo y sirvió de purga y de compasión hacia la comunidad negra; y el libro se hizo imprescindible.

No dejen de ver la película porque descubrirán todo un clásico conmovedor que les llegará hasta el fondo del alma.

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5. Abril 2010 por admin.

Quiero una fanfarria de trompetas, porque les voy a hablar de un clásico del cine de terror: Psicosis.

Alfred Hitchcock la dirigió y la estrenó en el año 1960, hace ahora cincuenta años de aquella obra maestra del cine y que cautivó a todos por sus escenas que aún hoy se siguen recordando como si fuera el primer día.

Se inspiró en los crímenes del asesino en serie de Wisconsin, Ed Gein.

Ha sido considerada como una obra de arte cinematográfica de la crítica internacional. Cada escena del filme es mítica y muchas, como la escena de la ducha, ha sido copiada hasta la saciedad en remakes, parodias y películas de terror que querían conseguir el mismo efecto que hizo Hitchcock con “Psicosis”.

No les voy a contar el argumento, porque hoy en día, el que no haya visto Psicosis se estará perdiendo sino la mejor, una de las grandes del cine, que nos sorprendió cuando la visionamos por primera vez.

Recuerdo que estuve revolviéndome en la cama varios días, porque la película impacta y te deja tocado pensando en todo lo que ocurre en la cinta. Cada escena, cada comentario, todo es un juego del director que se divierte a costa nuestra. Cuando estamos con la tensión de si pillan a Marion Crane con el dinero robado, la película da un giro completo cuando llega al Motel de Norman Bates.

El Motel y la casa del fondo (donde vive la madre de Norman), se sigue conservando en la actualidad en los estudios Universal Studios en Los Ángeles como el escenario donde miles de turistas pueden comprobar dónde se rodó aquella formidable película y que sigue siendo una de las más terroríficas del séptimo arte.

La escena de la ducha tardó en rodarse siete días y es la más recordada. Contando que el rodaje del filme entero fue de treinta y tres días, Hitchcock se esmeró y no le corrió prisa alguna para filmar los setenta y ocho ángulos distintos (cosa inédita en el cine para rodarse en un cuarto de baño), para tres minutos de película.

 Todo un trabajo que fue acompañado con la banda sonora de Bernard Herrmann: un chirriar de violines, violas y violonchelos, que asemejan a pájaros enfurecidos que penetran en el cuerpo de la mujer con las cuchilladas mortales de la madre de Norman.

Se intensificó la sangre con jarabe de chocolate que le daba un espesor, y al ser rodado en Blanco y Negro, daba más verismo a la escena.

La propia actriz, Janet Leight, no sabía, cuando estaba rodando esta escena emblemática, que iba a morir y que su papel terminaba en ese momento.

Hitchcock tenía cada escena en la cabeza y rodaba sin apenas ensayo. Minutos antes se reunía con los actores, les explicaba la escena y rodaban. Así de sencillo.

Además, el director renunció a su sueldo (250.000 dólares) porque creía en la película y sólo llegó a un acuerdo con la Paramount de tener los derechos de la película (un 60%).

Y acertó plenamente.

Existen muchas curiosidades en el rodaje. Una de ellas es que la censura quiso paralizar la película pero no por que la actriz saliera detrás de la cortina desnuda, ni por la sangre, sino porque aparecía un inodoro en la pantalla, porque decían que era aberrante.

¡Cosas de Hollywood!

Ahora, cincuenta años después, he querido darle este homenaje y compartirlo con ustedes para recordar una de las películas más aterradoras que se han hecho, y que hoy día, sigue estremeciéndonos al verla de nuevo.

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31. Marzo 2010 por admin.

Ahora que estamos en Semana Santa, quiero recordarles la última película que se ha hecho sobre la figura de Jesucristo: “La pasión de Cristo” filme dirigido por el australiano Mel Gibson.

En el año 2004, nos soprendió a todos con el lanzamiento de este filme donde nos relata las últimas doce horas de Cristo en la tierra con una crudeza inimaginable.

Hasta ahora habíamos visto otras películas de Cristo, pero no con esta crudeza visual, rodada en las mismas lenguas que hablaban en aquel tiempo:(Latín, Hebreo y Arameo). Los críticos comentaron que no podía funcionar una película sobre el redentor y además subtitulada.

Y no sólo no funcionó: Consiguió ser una de las películas más taquilleras de todos los tiempos (240 millones de dólares en todo el mundo, quedando en la posición 40 de las más taquilleras de la historia del cine), recibió tres Oscar de la Academia (Mejor maquillaje, mejor banda sonora y mejor fotografía), además de contar con el reconocimiento incluso de la propia Iglesia, que alabaron el trabajo de Mel Gibson, retratando con gran veracidad el sufrimiento de nuestro Señor.

La película fue dura en el rodaje. No todo fueron facilidades. Mel Gibson se gastó cincuenta millones de dólares de su propio bolsillo para poder sacar la película, financiarla y poder darle la publicidad necesaria, ya que no creían mucho que una cinta, subtitulada y siendo una más sobre la figura de Cristo, funcionara en taquilla.

Y al final se equivocaron. Así consiguió Mel Gibson ser reconocido por la crítica y público en general.

El actor que encarnó a Cristo era James Caviezel que sufrió durante el rodaje sesiones interminables de maquillaje durante siete horas diarias, le azotaron dos veces por equivocación, y dicen que le alcanzó un rayo durante la película (esto me huele más a leyenda).

Al márgen de controversias y de creencias religiosas, Mel Gibson se proclama como un católico practicante, sino no hubiera hecho una película sobre el que considera como el personaje más importante de la humanidad.

 Pudo aprovecharse Gibson sobre tópicos dentro del filme, pero está rodada con mucho sentimiento, y el que no crea, puede hacerlo viéndola como el sufrimiento de un hombre que iba a contracorriente sobre los estamentos en la vida social y política, y que sufrió un calvario tremendo, muriendo en la cruz de una muerte angustiosa.

Si se dirigen aquí podrán comprobar científicamente el dolor que soportó Cristo durante la tremenda flagelación y muerte en la cruz, visto desde el punto de vista científico. No logramos comprender cómo pudo aguantar tanto hasta su muerte en el monte Calvario.

En todas las películas nos describen que apuntalaron a los presos con clavos en las palmas de sus manos, pero fue en las muñecas, ya que si lo hubieran hecho en la misma palma, se hubiera desgarrado la mano y hubieran caído laxas, a pesar de las cuerdas que les pusieron. Un detalle que nadie ha querido rectificar, pero que no fue así.

Una película que recordaremos por su crudeza visual, por sus imágenes, por la caracterización de sus actores, la fotografía, el haber sido rodada en Arameo, todo esto contribuyó a meternos más en la historia y vivir desde dentro cómo vivían y sufrían en aquella época. Los romanos, con su rudeza, su fuerza bruta, los castigos que inflingían (además de disfrutar haciéndolo), todo está narrado con una espectacularidad que nos deja pegados a la butaca, o sillón, sin respiración, no digo que disfrutando, pero asistiendo a un espectáculo jamás visto hasta ahora.

Buena ocasión para sentarse y verla en silencio. Así podremos pensar por qué ocurrió así y podremos recapacitar, cada uno a su manera, sobre la barbarie y la injusticia que se cometió hace ya unos 2000 años.

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13. Marzo 2010 por admin.

Este viernes fui al estreno de la ópera prima de Emilio Aragón, “Pájaros de papel”. Y es sin lugar a dudas, una gran película. Muy lacrimógena pero bien realizada y hecha “con el corazón” como dice su director.

“Pájaros de papel” nació de la idea de Emilio Aragón y que junto a Fernando Castets (productor de “Luna de Avellaneda” o “El hijo de la novia” del director Juan José Campanella), le propuso hacer el guión juntos y se pusieron en marcha.

La película es un homenaje a todos esos cómicos del vodevil y a todos los artistas que sufrieron en sus carnes la represión franquista. Pero aunque la guerra civil se encuentra como telón de fondo, no es una peli más de la tan trillada guerra, sino que se centra en sus personajes que se mueven, lloran, ríen, y todo, de la mano de este director que nos ha sorprendido y mucho en la cinematografía española.

Un plantel de actores como Imanol Arias, Lluís Homar, Carmen Machi, Luis Varela, Concha Hidalgo y el propio Emilio Aragón Bermúdez (Miliki para entendernos) que nos regala un par de minutos en escena antológicos.

La película, como digo, se centra en la compañía de teatro con sus miserias y sus actuaciones (la música está compuesta por el director, Emilio Aragón), y de fondo la política, el final de la guerra y la represión de los militares persiguiendo cualquier atisbo de revuelta o diferencias contra el dictador Franco.

El guión nos presenta dos momentos cruciales, el momento del fin de la guerra civil, y un año después. Traza a unos personajes totalmente creíbles: Imanol Arias está soberbio, Lluís Homar en el papel de un homosexual de aquellos tiempos, lo borda; el niño, Roger Princep es gracioso y se mete perfectamente en su papel, y Carmen Machi (Rocío Moliner) con su número: “El babalú” que encandila al alcalde del pueblo, nos va describiendo una época que pasó y el hambre que era el principal protagonista (las sopas de ajos frías, las zanahorias, y las naranjas de postre eran las comidas habituales). Por eso tuvieron que emigrar muchos (nota autobiográfica de los padres del director), y que Emilio toca ese sueño de ir a Buenos Aires, para iniciar una nueva vida sin las penurias que se vivía en España.

Emilio Aragón quería tocar el tema político, pero de soslayo, ya que se centra en la vida de los personajes, en la caracterización de cada uno de ellos, sacando sus mejores interpretaciones y nos toca la fibra sensible desde el principio hasta el emotivo final. Yo creo que para ser la primera película de Emilio, lo ha hecho bastante bien y nos ha sorprendido a todos los que la vimos en su estreno este viernes.

Es lógico hacer comparaciones y no se nos puede olvidar películas como “El viaje a ninguna parte” de Fernando Fernán Gómez, o “Ay, Carmela” del director Carlos Saura. Pero ya sabemos que las comparaciones son odiosas y éste filme es distinto a los dos mencionados.

“Pájaros de papel” es una película muy correcta, con grandes dosis de sentimentalismo, que nos llega al corazón, y aunque el tema de fondo es la guerra civil, tema muy trillado y de chiste fácil, Emilio hace una obra que calará en muchas personas y su debut no ha podido ser más brillante.

Nos confiesa Emilio Aragón que esta película la hizo porque tenía en mente la banda sonora que envuelve a toda la obra. Y se rodeó del violinista libanés, Ara Malikian, que también vivió las penurias de la guerra y ha sabido transmitir a través de su música, todo el sufrimiento, y eso nos llega a todos los espectadores.

A todos los que aman el cine de José Luis Garci, o se emocionan con las películas de Juan José Campanella (no se pierdan “El secreto de sus ojos”), esta obra no le dejará indiferente y pasarán dos horas de puro sentimiento, e incluso se le hará corta.

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8. Marzo 2010 por admin.

And the winner is….

La 82 edición de la ceremonia de los Oscar 2010 se celebró ayer en el teatro Kodak de Los Ángeles. Hacía tiempo que no veía la ceremonia en directo en Canal + (aún siguen codificados los premios más importantes del cine), y ayer la vi desde las 2.30 hasta las 6.00 de la mañana (hora española) cuando terminó.

El famoso paseo por la alfombra roja, estuvo protegida por unos toldos de plástico, ya que amenazaba lluvia y así pudieron pasearse los actores, actrices, directores, con total tranquilidad y posar para los fotógrafos, y atender a los periodistas momentos antes de comenzar la ceremonia.

Jennifer López llevaba un vestido espectacular, Meril Streep guapísima, y Morgan Freeman al estilo americano con unas gafas oscuras y mascando chicle. Jeff Bridges parecía el General Custer con el bigote y la perilla.

Conducían el acto los actores: Alec Baldwin y Steve Martin que estuvieron geniales durante todo el acto. El teatro lució una cortina en forma de arco, iluminado con millares de bombillas que cambiaban de colores, a medida que se pasaba de una actuación a otra. La ceremonia fue tranquila, con marcados horarios y todo controlado para que no durara más de tres horas y media. Los agradecimientos fueron cortos y una curiosidad: A Tom Hanks, que le tocaba presentar la película ganadora, le dijeron que se diera prisa. Y en vez de presentar las diez nominadas, sacó el sobre y leyó el ganador, quedándose todo el público desconcertado. Y es que Hanks hizo caso al director de la Academia y fue rapidísimo.

Se volvió al tradicional  and the winner is… en sustitución del  and the Oscar goes to… Y la verdad es que me gusta más el primero, porque el ganador siempre será uno, y no cómo alegaban desde la Academia de que todos los nominados eran ganadores y el Oscar iba para… En este aspecto, todos de acuerdo en que no hay que cambiar las tradiciones que siempre vivimos cuando esperábamos la noche más importante del cine mundial.

La batalla se encontraba entre los navi´s del mundo de Pandora y los artificieros de Irak. Entre James Cameron y la directora Kathryn Bigelow. Entre la superproducción de “AVATAR” o la pequeña “EN TIERRA HOSTIL”.

Al final, David venció a Goliat y ganó la película de la exmujer de Cameron. Los ganadores pueden encontrarlos aquí.

Ha sido la primera directora de las 82 ediciones que gana el premio al mejor director, y es por ello, por lo que Barbra Streisand, al entregarle la estatuilla dorada, se emocionó y se le saltaron las lágrimas. Ella lo intentó en muchas ocasiones, y más en películas como “El príncipe de las mareas” o “El amor tiene dos caras” que se merecían el Oscar para Barbra Sreeisand, pero por los prejuicios de los americanos, no le concedieron el premio. Y ahora, la Academia premia a la primera directora con la película “En tierra hostil”.

Ganó 6 Oscar, alzándose como la triunfadora de la noche y escribiendo con letras doradas su paso por el cine. La verdad es que no es una película para ganar el Oscar a la mejor película, ya que casi todos los pronósticos daban un triunfo a “AVATAR”.  Yo creo que al final se han decantado por el cine sin tantos artificios y contándonos una historia. La película de Cameron aún no va a cambiar la forma de hacer cine y de que sus protagonistas interpreten en la vida real, y no a través de un ordenador. Pero, sinceramente, comparando las dos películas, me quedo con la de James Cameron.

Cuando ganó con “TITANIC”, y se llevó 11 Oscar, pensaba Cameron que iba a ocurrir como aquella vez, y se llevó la sorpresa, de que su exmujer se lo llevó y barrió a “AVATAR” de casi todos los premios, menos los efectos especiales, fotografía, que eran claros favoritos para esta película.

El mejor actor fue para Jeff Bridges en la película “Corazón rebelde”. Después de cinco nominaciones, consiguió la preciada estatuilla en este año. Treinta años de espera han valido la pena para reconocer a un gran actor.

La mejor actriz recayó en Sandra Bullock. La actriz que siempre interpretó papeles de comedia, ahora con este drama y conseguir su preciado trofeo, creo que se pensará y mucho seguir con las comedias y adentrarse en el mundo que le puede dar muchas alegrías, y así hemos podido reconocer a la actriz que llevaba dentro y que no ha sido valorado su talento hasta ahora. Otra curiosidad: el día anterior recogió el antioscar, pero esto no ha motivado que se reconozca su gran trabajo.

En fin, una noche en la que pudimos ver alzarse también con la estatuilla la película argentina “El secreto de sus ojos” de Juan José Campanella. Contó con su actor talismán, Ricardo Darín y nuestro actor español, Javier Godino, que desde este rincón cultural le damos la enhorabuena. Y era difícil porque también estaba otra obra magnífica, la alemana “La cinta blanca”.

Les dejo con el trailer de la vencedora de los Oscar 2010 y esperon que la disfruten en el cine.

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2. Marzo 2010 por admin.

Fui al cine a contribuir con el producto español y vi “ÁGORA” de Alejandro Amenábar. La superproducción española más cara de nuestro país: 50 millones de euros es lo que ha costado realizar la Alejandría del año 391 D.C., creando unos excelentes decorados, sin abusar de los famosos CGI, como nos tiene ya acostumbrados las películas de Hollywood.

La película nos traslada a escenarios como el famoso Faro de Alejandría o la Biblioteca (ésta última por lo que conlleva de cultura y del saber de la humanidad está muy bien recreada), donde se narra la vida de la primera astróloga del mundo: Hipatia.

Raquel Weisz, la actriz que interpreta a Hipatia de Alejandría, la hija del director de la Biblioteca, es una brillante joven que imparte clases de Matemáticas, Filosofía y Astronomía y lucha por desvelar conocimientos ocultos, estudiando, observando y dando su vida por la ciencia.

La película falla, creo, en los personajes, porque no nos hacen sentir con ellos durante todo el metraje a pesar de estar contándonos una buena historia, basándose más Amenábar en los decorados, al estilo Hollywoodiense, pero descuida y mucho lo que es más importante: los sentimientos que pueden tener cada uno de ellos.

Quizá al final, nos estremecemos con esa escena (que no voy a desvelar) donde Hipatia termina mirando el cielo, como demostrándonos que toda su vida estuvo dedicada al conocimiento y dejó que su vida pasara, para entrar en la historia para siempre.

El taquillazo que ha tenido el filme, rodado en la isla de Malta, ha demostrado que apoyamos el cine español, y confiamos en las películas de Amenábar, que no había dirigido nada después de su anterior éxito: “Mar adentro”.

Hay pequeños detalles en la película que nos hacen remover de la butaca: ése final como ya comenté, en la quema de la Biblioteca de Alejandría por los fanáticos cristianos, esos papiros amontonados en el suelo y quemándose, me llenó de rabia por lo que suponía ese gran destrozo para la humanidad. Hay también escenas un poco gores, de cabezas decapitadas, sangre, vísceras, para recrearnos lo que suponía la lucha entre bárbaros de uno y otro bando: cristianos, paganos, judíos… cosa que no nos dice nada nuevo, pero que nos lo recuerda Amenábar para que no se nos olvide.

Hipatia, estudiando las estrellas, hace un círculo para investigar y ahondar en los misterios del Universo, mientras que el mundo sigue girando, y girando: las muertes, la quema de papiros, destrozos de estatuas, maltrato de mujeres, quema de brujas y apedreamientos anteponiendo la fe a la barbarie…

 Y el mundo girando y girando, como el círculo que va trazando Hipatia, ajena a todo lo que acontece a su alrededor, abstraída del mundo que le ha tocado vivir, y metida en su propio universo, en su propia elipsis, descubriéndonos para todos su legado, y convertirse en la primera mujer astróloga de la historia.

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25. Febrero 2010 por admin.

“La invasión de los ladrones de cuerpos” del año 1956 es todo un clásico del género de la ciencia-ficción y del terror.

El director, Don Siegel, nos introduce en un relato absorbente donde los alienígenas llegan a la tierra en forma de vainas gigantes y van apoderándose de los humanos cuando estos duermen. Son copias exactas de cada uno de ellos, pero con la particularidad de que dentro se encuentran los extraterrestres suplantando los cuerpos.

El doctor Miles Bennel (Kevin MacCarthy) vive en una pequeña localidad californiana llamada Santa Mira. Cuando es requerido para dar una conferencia en un congreso médico comienza a percibir cosas extrañas en sus habitantes: un niño que no reconoce a su madre, y su amiga Wilma (Virginia Christine) duda sobre la identidad de su tío.

Todo esto hace que el doctor investigue la procedencia de aquel extraño asunto, descubriendo las famosas vainas gigantes, que es donde parte el misterio de la película.

Cuando vi la película, me impresionó y a la vez me asustó tanto que pensé que podía ocurrir entre nosotros y estuve inquieto muchos días. Reconozco que tendría unos doce años y me dejó marcado como uno de los mejores filmes de terror que había visto en los últimos tiempos. Fue en el programa de Chicho Ibáñez Serrador: “Mis terrores favoritos” que se emitía los lunes en TVE 1

La película era de bajo presupuesto, pero hay que reconocer que con talento, se puede convertir, en lo que es: todo un clásico que nos atrapa de principio a fin. Un filme obsesivo, intenso, dramático, y que nos identificamos con los personajes y en su alocada huída, para decirles a todos que nos están invadiendo desde el espacio exterior.

El director quiso cambiar el título y pensó en éste: “Sleep No More” yo creo que más adecuado, pero se decidió, por petición de la actriz Dana Winter que convenció a los productores, del que conocemos: “La invasión de los ladrones de cuerpos”, bastante más largo y que, estando ante un produto de Serie B, era el que finalmente gustó más a todos.

A medida que vamos viendo la película, el ritmo va creciendo, y la situación nos crea un agobio, porque nos metemos en la piel de los protagonistas, que deben informar sobre lo que está ocurriendo en la pequeña localidad. Están convertidos en alienígenas, con los cuerpos de los humanos, sin sentimiento alguno. La escena del perro atropellado y ella que no puede evitar el grito me parece genial. Todos se encuentran tranquilos ante el atropello,  por lo que les desvela que aún no están contagiados.

Estamos ante una obra maestra, y que con el tiempo se ha convertido en película de culto para los amantes del cine de ciencia-ficción y del horror.

Recuerdo que yo la llamaba “La película de las vainas“, porque no me salía el título largo de la cinta original, pero todos me entendían. Los protagonistas son ellas, las vainas gigantes que atrapan a los humanos, robándoles su cuerpo para siempre.

La escena final, cuando el doctor está informando como un poseso en medio de la autopista sobre el peligro de los alienígenas convertidos en vainas, se dirige al espectador y le dice en primer plano:

-¡Usted será el siguiente!

Una obra imprescindible que nadie debería perdérsela. Podéis ver el final aquí.

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13. Febrero 2010 por admin.

Leí el libro de Cormac MacCarthy hace un par de meses y me pareció muy bueno. El premio Pulitzer nos sumerge en un mundo donde la ceniza, la devastación, el canibalismo y la hambruna asola toda la novela. Si queréis saber más sobre la obra pinchar aquí.

Cormac sólo ha concedido una entrevista a lo largo de su vida y en ella aseguró que no había leído un libro hasta los ventiún años y que no le gustaba hablar de literatura. El caracter huraño y despegado de los medios de comunicación me ha recordado a otro genio que  nos abandonó hace poco: J.D. Salinger.

Pero a pesar de ello, cuando sacó su libro “La Carretera“, los críticos se hizieron eco y lo encumbraron como el mejor escritor de los últimos años. Y es que el autor de “No es país para viejos” no deja indiferente a ningún lector. Muchos no pueden soportar su estilo directo y duro, pero otros se enganchan a su obras como si fuera lo mejor que han leído en toda su vida.

La película porotagonizada por Viggo Mortensen, nos describe un mundo postapocalíptico donde un padre y su hijo deben sobrevivir andando por una carretera para llegar al Sur, donde creen que puede haber una mínima esperanza.

Es un mundo gris, sucio, sin colores, y las escenas nos meten en la historia de principio y sufrimos con los protagonistas (padre e hijo), con su búsqueda de algo de comida, fuego y cobijo en un mundo destrozado y donde deben sortear a los temibles caníbales que logran vivir comiéndose a los indefensos que van quedando por la carretera.

El director australiano John Hillcoat, ha realizado una fiel adaptación del libro de McCarthy y la dureza en imágenes, diálogos y la caracterización de sus personajes, puede que nos haga sentir que no estamos ante una gran película (me refiero a una película comercial), pero nos hace pensar en lo que nos puede quedar si no cuidamos el planeta. Un mundo gris, de cenizas, sin animales, sin árboles (la escena donde se van derrumbando es sobrecogedor, tanto en el libro como en el filme), sin agua, y donde la vida desaparece y sólo queda morir de una forma rápida.

Sorprende que no haya estado nominada para los Oscar, porque podía haberse llevado unos cuantos. La puesta en escena, la fotografía es impresionante (además de que el director de fotografía es español: Javier Aguirresarobe), y Viggo Mortensen hace un papel muy digno.

Quiero que os fijéis en el viejo que encuentran en la carretera, porque lo interpreta Robert Duvall. Quizá muchos no se hayan fijado porque está muy bien caracterizado: muchas arrugas, ojos sin vida, dientes negros, pero los pocos minutos que aparece engrandecen al personaje secundario.

En toda la película flota el sentimiento del suicidio como única salida a ese mundo infernal. Los diálogos son fiel reflejo a la obra de McCarthy, y su dureza a veces nos hace removernos en la butaca con desesperación. Porque ya estamos metidos en la historia y sufrimos con ese padre y el hijo a través de su largo caminar por la carretera gris hacia ningún sitio en concreto.

Van al Sur, eso sí lo sabemos, porque no los han dicho; pero tampoco saben lo que encontrarán cuando lleguen.

Espero que disfruten de este mundo desasosegante, angustioso, tétrico, salvaje y sin esperanzas, porque lo que pretende McCarthy en su novela y John Hillcoat en la película, es que pensemos después de verla y de leerla.

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